9 от най-известните минималистични произведения на изкуството, които определят жанра

Жанрът на минимализма се разкрива в различни форми на изкуството: живопис, музика и литература. Възниква през 60-те години на XX век и възниква като отговор на абстрактния експресионизъм. Минималистите се опитаха да се отдалечат от изразните черти на абстрактния експресионизъм, тъй като смятаха тези произведения за твърде помпозни, омаловажавайки същността на самото изкуство. Напротив, художниците от минималистичния жанр се опитаха да създадат картина от прости линии и фигури. Минимализмът се характеризира с интерпретацията на произведенията през очите на гледащия. Специално за това произведение на изкуството са премахнати всички сложни обекти, средства за себеизразяване, биографии и социални програми. Зрителят трябва да види картината такава, каквато е в действителност: пълна с девствена красота и честност.

Поради силния акцент върху основните елементи, жанрът на минимализма беше известен като ABC art. Повечето от най-изтъкнатите минималисти са скулптори, но минимализмът преобладава и в Land Art, издънка на жанра, насочена към създаване на изкуство под формата на пейзажи, по същество клон на ландшафтния дизайн.

Минимализмът също е фокусиран върху движението на светлината и пространството, но много художници от този жанр се опитват да изобразят празнотата в своите творби.

Смятало се, че минимализмът произхожда от Азия. За работата на много западни художници, както е илюстрирано от Агнес Мартин, дзен будизмът е оказал огромно влияние. Огромната маса от минималистични художници са повлияни от концепцията за "празнотата", заимствана от индуистките писания. Моно-ха беше едно от най-големите минималистични движения в Азия. Това беше първото международно признато движение за съвременно изкуство в Япония. Моно-ха, наричано още „Училището на нещата“, възниква в средата на 60-те години на XX век, а след това се превръща в иновативно художествено движение. Тази група се оглавява от Ли Уфанг и Нобуо Секине. Това беше единственото сдружение, което позиционира дейността си като „нетворческа“ дейност. Такива групи отхвърляха традиционните идеи за представителство. Желанието им беше да разкрият света чрез взаимодействие с материалите и техните свойства, подобно на западната тенденция на минимализма.

Предлагаме за разглеждане най-известните произведения на минималистичното изкуство, подчертавайки принадлежността към този жанр. Ще ви бъдат представени и картини и скулптури, които разрушават традиционните представи за изкуството като цяло, тъй като са заличили разликите между тях.

Франк Стела "Банери към небето!" (1995)

Франк Стела, като художник, скулптор и график, се смята за един от най-влиятелните американски художници, живеещи днес. Неговите картини, пълни с ивици, както и грандиозни щампи, революционизираха не само света на минимализма, но и на абстракцията. Авторът отбелязва, че най-голямо влияние върху творчеството му оказват абстрактните художници Полок и Клайн. Но по волята на съдбата Франк Стела стана един от основателите на минимализма.

"Банерите нагоре!" кръстен на маршируващата песен на нацистите, но всичко освен името на картината изглежда няма никакво значение. Тази работа е част от голям цикъл от тъмни произведения на Стела. Светлите линии, ясно видими на снимката, са просто необработено платно, останало сред широки черни ивици. Тази монохромна работа е една от най-известните картини, предизвикващи абстрактното движение.

Робърт Морис, Без заглавие (Огледални кубчета) (1965/71)

„Untitled (Mirror Cubes)” на Робърт Морис го разкрива не само като създател на минималистичния жанр, но и като концептуален. Авторът се натъкна на големи сиви кутии, изработени от шперплат и използвани като декорации, докато все още играе с балетна трупа. В работата си той покрива тези кутии с огледала, като по този начин променя начина на възприятие, добавяйки нови визуални свойства към простите сиви кубчета. Композицията е насочена към директното взаимодействие на зрителя с обекта: ходейки между огледалните кубчета, зрителите неволно се сблъскват със себе си и остават сякаш сами с мислите си, но сами с всички. Актът на възхищение на произведение на изкуството внезапно се прекъсва от акта на търсене. Именно на тази основа се осъществява „нашествието“ в пространството на галерията. Човек започва да усеща присъствието на изкуството отвъд видимото.

Агнес Мартин, Обратно към света (1997)

Агнес Мартин рисува картини, които по никакъв начин не изобразяват предмети, но имената им подчертават силния чар на природата. Работата на Мартин беше разпозната по решетка, която съчетава минимализъм и цветова схема. Решетката беше използвана за организиране на пространството на платното. Тя помогна за създаването на безкрайно разнообразие от успокояващи произведения в фини цветови схеми.

Силно повлияна от дзен будизма и даоизма, Мартин е била много откъсната от света през по-голямата част от живота си, дори живеейки в Ню Мексико. На 40-годишна възраст тя е диагностицирана с шизофрения. „Назад към света“ е написана в 9-ото й десетилетие от живота. По това време тя е била в старчески дом. Ивици синьо, прасковено и жълто все още продължаваха да подчертават изключителността на изкуството в свят, пълен с корупция, така че тя намали размера на платната си, за да има по-малко трудности с тях.

Елсуърт Кели, червено, жълто, синьо II (1953)

Службата по време на Втората световна война оказва ясно влияние върху Елсуърт Кели. В известен смисъл тя беше използвана като наблюдение на природата и архитектурата, а след това беше приложена на практика. Внимателното изследване на абстракцията от автора и прилагането й в неговите произведения развива минимализма. Серията картини "Червено, жълто, синьо" повлия на начина на рисуване. Създаден е веднага след като Кели откри безкрайните възможности на монохромния цветови спектър, произволността и многопанелната композиция.

Red Yellow Blue II се състои от седем панела. Централният черен панел е едновременно разделителен панел и три панела от всяка страна. Сините панели в краищата подчертават композицията на Кели. Именно това произведение се смята за едно от най-добрите му произведения, както и за най-голямото произведение по време на престоя му в Париж.

Сол Левит, Боядисани стени

Сол Левит е изрисувал 1350 стени за 40 години от кариерата си, 3500 от които са инсталации на 1200 обекта. Дизайните бяха напълно различни: от прави ивици, нанесени с черен шисти, до многоцветни вълнообразни линии, монохромни геометрични форми и ярки пространства, боядисани с акрил. Авторът отхвърли традиционното значение на собствената ръка на твореца, позволявайки му да помага на другите в създаването на своето произведение на изкуството. Стенописите му приемат формите на пространствата, които заемат, поради което са подложени на изучаване в областта на архитектурата и изкуството.

Левит почина през 2007 г., но творчеството му продължава да живее, защото в тях е заложен духът на художника. В днешно време има няколко художници, които отказват да пресъздадат стенописите му, като по този начин им позволяват да украсяват стени по целия свят.

Джуди Чикаго, Rainbow Picket (1965)

Rainbow Picket е инсталация с размер на стая. Състои се от шест трапеца, различни по цвят и дължина. В допълнение към първата самостоятелна изложба в галерия Rolf Nelson в Лос Анджелис (януари 1966 г.), това произведение е показано във фундаменталната изложба "Основни структури" в Еврейския музей.Клемент Грийнбърг, известен критик, говори за това произведение като за най-доброто в тази област. През 2004 г. е реконструиран Rainbow Picket, а по-късно обектът става отличителен белег на LAMOCA „Минималистично бъдеще? Изкуството като обект (1958-1968)".

Създавайки произведения като това, тествайки възможностите на цвета със собствените си пространствени модели и схеми, Джуди Чикаго се прослави като новатор в минималистичния жанр.

Дан Флавин, "Без заглавие (по Харолд Йоахим) 3" (1977)

„Без заглавие (по Харолд Йоахим) 3“ е едно от многото произведения на Дан Флавин. Състои се от LED лампи и метални скоби. Авторът изучава възможностите на флуоресцентната светлина в продължение на три десетилетия, изпълнявайки работата си само с налични в търговската мрежа материали. След като се отказва от концепциите на абстрактния експресионизъм, Флавин започва да използва такова оборудване и след това го въвежда в света на високото изкуство. На пръв поглед работата изглежда е възможно най-проста, но ако се вгледате внимателно, ще видите дълбока изтънченост на работата.

Творбите на Флавин са склонни да надхвърлят пространството, в което се намират, благодарение на играта на светлината и разнообразието от цветови палитри. Обектите позволяват на зрителя да се къпе в топлия блясък на светодиодите, създавайки специфична атмосфера.

Ева Хесе, "Една безименна творба (парчета въже)" (1970)

Ева Хесе е родена в Германия. Вече я познаваме като иновативен американски скулптор в работата с латекс, фибростъкло и пластмаса. Тя положи основите на развитието на пост-минимализма през 60-те години на XX век. Авторът изследва свойствата на най-простите материали за използване в илюстрациите за много повече.

„Безименната творба (Парчета въже)“ е създадена през 1970 г., когато Хесе вече е на косъм от смъртта, и е завършена с помощта на нейните другари. Експонатът е изработен от латекс, опънат върху въже, въдица и тел и окачен към тавана. Той симулира заплетен модел в пространството. Хесе се е отдалечила от традиционната спретнатост на минимализма, но нейните начини на представяне на материала се възприемат в рамките на жанра.

Доналд Джъд, Untitled Job (1980)

Доналд Джъд категорично отрича връзката си с минимализма. Въпреки това той е един от нейните бащи-основатели. В началото на 60-те години на ХХ век авторът открива известна враждебност към европейските художествени ценности, така че се отдалечава от работата на скулптор и започва да създава произведения, които не могат да бъдат приписани на нито един от горните раздели на изкуството. Неговите творби са били изложени и в Major Structures в Ню Йорк.

През 80-те години Джъд започва да създава висящи вертикални рафтове. Пример за това е "работа без заглавие" (1980). Досега този вид работа не може да се припише на живописта. Не е скулптура. работата е изработена от 2 вида материал: алуминий и плексиглас. Това се прави, за да се замисли зрителят за противоречивата природа на изкуството: непрозрачните и натрапчиви фигури отстрани са свързани с дълбините на пространството отпред.